Trabajo sencillo con acuarela aplicando las técnicas vistas en clase

   Como punto final para una de las partes de la asignatura (la parte referida a técnicas y procedimientos), tenemos que hacer un trabajo con acuarela donde se utilicen las distintas técnicas aprendidas de forma consciente y meditada.

   He elegido una naturaleza muerta para este trabajo, con frutas de distintos colores y algún objeto de cristal que me permita experimentar con transparencias.
   Para el fondo he utilizado colores suaves y que armonicen (violeta y su complementario el amarillo). En las frutas he aplicado capas sucesivas de color, sin muchas mezclas en la paleta (casi nunca más de dos colores), y utilizando la técnica en seco. Quería conseguir que la mezcla de colores se produjera ópticamente, sin que se llegaran a mezclar físicamente tampoco en el papel. Por eso he esperado a que cada capa de color secara antes de dar la siguiente.
   Para el vaso de cristal he dado capas de azul sobre el fondo también en seco, para intentar conseguir  el efecto de transparencia. Tengo que mejorar mucho la técnica, eso está claro, pero el trabajo me ha servido para empezar a entender. Parte de la naranja también  aparece detrás del vaso, en un intento de conseguir de nuevo la transparencia.
   Para las sombras he ido aplicando capas de color desde el más claro hasta el más oscuro (también esto lo he aplicado en el resto del trabajo).

Experimentando con las acuarelas

  Es nuestro primer contacto con las acuarelas (al menos para algunos alumnos). La profesora nos explica las técnicas básicas para utilizarlas. Nos propone hacer un ejercicio que consta de tres partes:

- La primera servirá para ver como aumenta la saturación del color con cada capa de acuarela: un rectángulo dividido en cuadritos, de forma que en cada cuadro iremos añadiendo una capa nueva de acuarela para conseguir una especie de degradado.

- La segunda consiste en un rectángulo pintado de acuarela sobre el que iremos añadiendo capas de color sobre seco, para ver como se mezclan los colores ópticamente en el papel.

- La tercera es igual que la anterior, pero en lugar de pintar sobre el rectángulo seco, lo haremos sobre húmedo para estudiar la diferencia.

 

  Cuando pintamos sobre seco conseguimos que los colores se mezclen ópticamente, mientras que si lo hacemos sobre húmedo, la mezcla es física, uniéndose los bordes. Los resultados son muy distintos y hay que saber dominarlos muy bien para pintar con acuarela.

Autoretrato utilizando planos de color

  En esta práctica tenemos que hacer un retrato libre, utilizando colores planos. La idea es aprender a utilizar los colores para crear volúmenes, y combinarlos armónicamente para que queden bellos. No hay que utilizar los colores reales del modelo sino utilizar cualquier combinación de colores que le impriman personalidad al retrato y que permitan plasmar los volúmenes correctamente.

  En mi autoretrato he utilizado colores cálidos sobre un fondo azul frío, para conseguir que la figura salga. Para los pelos he utilizado un color rojo muy saturado intentando darle más fuerza al retrato, hacerlo más alegre y vibrante. Para la camiseta he utilizado el color complementario del pelo, intentando darle armonía a la composición. En el rostro he utilizado colores marrones, acentuando la escala de tonalidades para conseguir la impresión de volumen.

Degradados de los colores tierra

   Tenemos que hacer degradados de los tres colores tierra fundamentales, añadiéndoles blanco hasta llegar al color casi blanco. Luego podemos utilizar esta tabla de degradados cuando pintemos, para identificar mejor los grises.

   Mi degradado tiene once grados distintos de gris. El orden de las tierras de izquierda  a derecha es: tierra verdosa, tierra amarillenta y tierra rojiza.

  En el anterior trabajo no llegué al blanco en la escala. Por eso vuelvo a repetirlo, teniendo ahora cuidado de mostrar la gama completa de degradados.

Las tierras

   En este nuevo ejercicio se trata de experimentar con las tierras. Las tres tierras fundamentales (a veces llamados primarios terrosos) son tierra rojiza (o rojo oscuro), tierra amarillenta (o amarillo ocre) y tierra verdosa (o verde oliva). Se obtienen al mezclar dos colores secundarios respectivamente (violeta y naranja para la tierra rojiza, naranja y verde para la tierra amarillenta y verde y violeta para la tierra verdosa). Cada una de estas tierras primarias tienen como complementario el color secundario que no ha participado en su formación. Por eso si se lo vamos añadiendo, obtendremos poco a poco un gris neutro oscuro.

   El ejercicio consistía en hacer un trabajo libre conjugando toda esta información, para experimentar con los colores tierra, pues tienen un papel muy importante en la pintura.

   Mi trabajo consiste en una especie de prado de hierba, donde se mezclan los tres colores tierra. En la parte inferior la tierra rojiza, en la del medio la tierra verdosa y amarillenta. En la parte superior he utilizado tierras tirando al azul.

   La idea era intentar crear la sensación de profundidad en el lienzo jugando con la temperatura de los tierras (los más cálidos en la parte inferior y los más fríos en la superior) y con el tamaño de la hierba (conforme subimos en el lienzo el tamaño se hace más pequeño.

Mezcla de un color primario con su complementario

   En cada una de las bandas de este círculo cromático aparece representado un color primario y su complementario. En el extremo de la banda aparece el color puro, al que se le va añadiendo poco a poco una cantidad de su complementario, de forma que va perdiendo cada vez más saturación hasta convertirse, en el centro, en un color casi negro.

   Este ejercicio sirve para entender como se forman los colores. A partir de cada color, añadiendo su complementario, lo vamos desaturando poco a poco hasta hacerlo negro. 

   La explicación reside en que el complementario de un color primario puro contiene una mezcla de los otros dos colores primarios en partes iguales, de forma que al ir añadiéndolos conseguiremos en algún momento que cian, magenta y amarillo estén en la misma proporción, produciendo el negro.

   Después de hacer este círculo cromático de colores complementarios, tenemos que hacer otro igual pero añadiendo a los colores iniciales un poco de color blanco. El ejercicio consiste en comprobar que al final del recorrido, en el centro del círculo cromático, obtendremos un color gris en lugar del negro del ejercicio anterior. 

   Se trata de estudiar las distintas tonalidades de gris que vamos obteniendo, que pueden servirnos de guía para trabajos futuros.

Recursos procedimentales con técnicas al agua

   Tenemos que utilizar al menos dos de las técnicas que se propusieron en clase para realizar dos trabajos libres con témpera.

   

   Tinta plana a pincel, gradaciones con diferentes saturaciones de agua, aplicación a espátula, punteado, salpicado, chorreado, raspado, reservas, frotage a pincel semiseco, lavado con esponja, recursos de dibujo (plumilla, trazos, tramas...), plantilla y estampado con materiales eran los recursos propuestos.

   Yo he decidido utilizar en mi primer trabajo el salpicado y en el segundo la aplicación con espátula.

   Para realizar el salpicado utilicé una jeringuilla que iba rellenando con la témpera. Dependiendo de la posición en que ponía la jeringuilla, la fuerza con que expulsaba el material y su grado de fluidez, el resultado que obtenía variaba.

   Utilizando distintos colores que intentaba colocar de forma que armonizaran, el resultado fue este:

 

   Me gusta como interviene el azar en la obra, pues nunca podemos controlar totalmente cómo serán las salpicaduras. A veces se obtienen manchas de formas muy bonitas. Sin embargo es un trabajo que necesariamente tiene uno que repetir hasta que quede más o menos como deseamos. Hay que probar.

  Para el trabajo con espátula utilicé la témpera directamente de los botes, sin añadir agua. 

  He intentado reproducir un paisaje astronómico, jugando con pocos colores que combinaran bien:

   Los colores los he mezclado en el lienzo, que esta vez, igual que en el trabajo anterior, era un tablero de DM tratado con gesso. Este soporte, más duro que el papel utilizado en otros trabajos de clase, me ha permitido utilizar estas técnicas que requieren aplicar mucha más cantidad de pintura.

   Para el último trabajo doblé el lienzo por la mitad, y en una de las partes dispuse varias manchas de pintura de diferentes colores. La disposición de los colores y la cantidad de cada color, intenté que fuera proporcionada para que el resultado fuera equilibrado. Según hemos visto en clase las proporciones aproximadas de los colores primarios y secundarios, para que la pintura esté equilibrada (la razón es la diferente luminosidad que tiene cada color) debería ser: amarillo: 3, naranja: 4, verde y magenta: 6  , azul: 8, violeta: 9.

   Tras poner el color en el papel, presioné ambas partes para que la pintura se expandiera y mezclara. Las proporciones cambiaron pues el azar siempre juega su papel. Giré una de las partes para que el resultado fuera menos simétrico.